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EDUARDO CHILLIDA VOL. III

EDUARDO CHILLIDA VOL. III

Tercer volumen de una magna obra en cuatro volúmenes y cerca de 2.000 páginas que ofrece por vez primera la catalogación de toda la obra escultórica del gran artista vasco Eduardo Chillida (1924-2002). En una cuidada edición y bajo la dirección científica de los propietarios y conservadores del Museo Chillida-Leku, la presente publicación es resultado de un riguroso y dilatado trabajo de documentación y análisis, y permite identificar todas las esculturas realizadas por Chillida entre los años 1983 y 1990. Cada pieza catalogada incluye información detallada sobre materiales, propietarios, exposiciones y bibliografía, y se acompaña de una o varias reproducciones fotográficas. Este volumen cuenta además con un artículo introductorio de Renato Bocchi, prestigioso especialista internacional en la obra de Eduardo Chillida, así como con un apartado de apéndices en el que se incluye un registro de títulos y materiales y una bibliografía esencial. La exhaustividad y rigor del estudio contenido en la obra hace de esta un recurso de gran utilidad para coleccionistas de la escultura de Chillida, tanto públicos como Derecho privados, así como para museos, galeristas, especialistas, profesores y estudiosos de la obra del escultor.

SALVADOR PÉREZ ARROYO

SALVADOR PÉREZ ARROYO

Salvador Pérez Arroyo nace en Madrid en 1945. Estudia en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, ETSAM, donde, en 1981, presenta su tesis doctoral sobre tratados de construcción en los siglos XVII al XIX. En 1982 accede a la cátedra de Construcción en la ETSAM. Colaborador habitual en diversos libros y revistas, enseña invitado en Londres, Cracovia, Berlín, Copenhague, Rotterdam, Cagliari y Venecia entre otras universidades. Es profesor honorario de la Bartlett School of Architecture, UCL, de la Universidad de Londres. Funda en 2008 el estudio CRAB en Londres con Peter Cook, con quien trabaja durante tres años. Obtiene en 2014 el premio Europa Nostra por su proyecto de restauración de la basílica de Palladio en Vicenza, en colaboración con otros arquitectos italianos. En el 2015 gana el Premio Nacional de Arquitectura de Vietnam por su edificio del Museo de la Historia y la Biología de la bahía de Ha Long. Su proyecto de teatro y centro múltiple situado en el lago Mayor de Italia obtiene el premio a uno de los mejores edificios construidos en el mundo en el año 2016, concedido por el Chicago Museum y el European centre of Architecture. Desde hace varios años desarrolla su actividad en Asia y Rusia. La memoria de todo lo anterior cobra pertinencia en este libro con los escritos que Salvador Pérez Arroyo ha ido escribiendo y publicando en estos últimos años como respuesta a su circunstancia, sus inquietudes, sus viajes y sus amigos. Podría decirse que esta publicación es una especie de memoria de sus intereses, escrito al dictado de la actualidad. Así los temas tratados deambulan entre el futuro de las ciudades, su identidad y sus relaciones con el medio natural y el paisaje; el impacto de las transformaciones técnicas y tecnológicas de nuestro tiempo; la vivienda contemporánea; sus encuentros con ciudades y personas. Pérez Arroyo no escribe solo como arquitecto; lo hace más bien como un científico que adelanta el futuro, o mejor, como un científico del futuro. Junto a los textos de Salvador Pérez Arroyo, el libro ofrece una colección de imágenes de su trabajo como arquitecto.

MODA Y CREATIVIDAD

MODA Y CREATIVIDAD

Este libro explora un periodo absolutamente innovador y fructífero en el mundo de la moda, que abarca dos fechas de alta significación histórica: el comienzo de la Revolución francesa y el final de los felices años veinte. Para la moda, este periodo supuso su entrada en la modernidad, avalada por el desarrollo de la confección en serie, la creación de la alta costura y por una solvente capacidad estilística. De manera que, iniciada esta nueva trayectoria, la moda dejará de ser uno de los más suntuosos símbolos de poder y lujo, para pasar a entenderse como certera expresión del “espíritu del tiempo” y como exponente de un capital estético capaz de ampliar el horizonte personal de los individuos. Cualidades en las que tal vez radique la dimensión casi mágica atribuida en tantas ocasiones a la moda, y que pueden explicarnos la poderosa fascinación e influencia que ejerce en la sociedad actual.

GOENAGA

GOENAGA

Gran monografía de uno de los artistas más reconocidos de nuestro país. Juan Luis Goenaga (San Sebastián, 1950) es uno de los artistas más destacados de la pintura vasca. Sus obras se inclinan recurrentemente hacia temas etnográficos, de la pintura rupestre, la mitología vasca y el paisaje, inspirado por la orografía y el clima locales. Goenaga opta por colores terrosos, pétreos y oscuros, aunque en ocasiones sorprende con fogonazos vivos: rojo, verde, amarillo. Otro de sus intereses es el mundo de la pareja y del desnudo, del que permanecen inéditas numerosas piezas. La obra de Juan Luis Goenaga es el resultado de una amalgama de referencias que comprenden el contacto directo con el paisaje, los emplazamientos y la historia subyacente en ellos, las lecturas científicas y Literaturas, las vivencias personales y el acervo cultural y artístico. Pese a esa clarividencia y ese interés constante, Goenaga no ha desarrollado una carrera inmutable, sino que se ha mostrado capaz de explorar caminos diversos, e, incluso, en ocasiones, de contradecirse; de alternar entre la monocromía y el entusiasmo por el color, entre la reclusión en Alkiza y la necesidad de respirar mundo, entre naturalismo, informalismo y su predominante esencia expresionista. No obstante, ha articulado una voz siempre genuina, que, aun cuando en algún momento ha sentido la sintonía con los tiempos, ha permanecido alejada de las tendencias para definir su propio timbre.

GALA SALVADOR DALÍ

GALA SALVADOR DALÍ

Este libro se publica con motivo de la primera exposición internacional dedicada a Gala, que se celebra en el Museu Nacional d’Art de Catalunya del 6 de julio al 14 de octubre de 2018. Estrella de Diego, autora y comisaria de la exposición, reivindica en este libro la figura de Gala como artista de pleno derecho y como coautora, incluso, de algunas de las obras de Salvador Dalí. ¿Quién fue, en realidad, Gala? ¿Quién fue esta mujer que no pasa desapercibida a nadie, que despierta el supuesto odio de Breton o Buñuel; que fue el amor incondicional de Éluard o Dalí, además de la pasión de Max Ernst; que despertó la amistad leal de Crevel; que fue modelo de Man Ray…? ¿Fue Gala sobre todo una musa, o fue más bien una creadora? Helena Dmitrievna Diákonova, Gala, (Kazán, Rusia, 1894 – Portlligat, Gerona, 1982) es sin lugar a dudas un personaje clave de las vanguardias. Gala es una mujer creativa que escribe, lee, realiza objetos surrealistas, diseña su ropa, se camufla de musa mientras construye su propio camino como artista y decide cómo quiere presentarse y representarse. Compañera de Dalí y antes del poeta Paul Éluard, admirada unas veces, otras olvidada, cuando no denostada, sin ella el tablero de juego surrealista aparece incompleto. Desvelar a Gala sería desentrañar el tablero surrealista que sin ella sigue incompleto. Gala no es solo clave en el desarrollo literario de su primer marido, Paul Éluard, quien cuando la conoce en un sanatorio en Suiza en 1912, siendo ambos muy jóvenes, no sabe siquiera que quiere ser escritor.
Juntos emprenden una carrera de éxitos, siendo Éluard uno de los poetas más queridos por los surrealistas. Con él Gala tiene ocasión de conocer a todos los grandes creadores próximos al surrealismo, a quienes la bella e inteligente rusa no deja indiferentes.
Gala viaje a Cadaqués en 1929 con Éluard, donde conoce a Dalí y vislumbra sus potencialidades. Abandona su vida parisina de éxitos con el poeta mimado del surrealismo por un joven catalán que no es nadie y con el que va a compartir vida y proyecto creativo. Desde su encuentro en 1929 surge entre ellos una poderosa atracción que dura hasta la muerte de la mujer. En 1971 se mostraba al mundo el castillo de Púbol, proyecto que se conocería como “la casa de Gala”, su espacio privado, donde Gala pasaría largas temporadas y reconstruiría sus recuerdos rusos a través de objetos, fotografías familiares y una biblioteca en cirílico. Pero Púbol es mucho más que eso, es más bien una especie de extraordinario objeto surrealista que representa la culminación del proyecto artístico a dos, Gala-Salvador Dalí, incluso el más sofisticado de sus productos. En la cripta del castillo sería enterrada y, sobre todo, encontraría la calma, el silencio y hasta la privacidad a los cuales sus manuscritos apelan y que contrasta con la exuberancia del marido. Los cuadros de Max Ernst, las fotografías de Man Ray y Cecil Beaton y sobre todo las obras de Salvador Dalí que se reproducen en este libro conforman un recorrido autobiográfico a través del cual Gala imaginó y creó su imagen. Gala es, así, más que musa y modelo; es una artista y la coautora del proyecto creativo de Dalí, con quien compartirá una vida entera y, más aún, un proyecto creativo. Lo reconoce el mismo artista en sus escritos y en la firma doble a lo largo del tiempo: Gala Salvador Dalí.

CÓMO HABLAR DE MITOLOGÍA A LOS NIÑOS

CÓMO HABLAR DE MITOLOGÍA A LOS NIÑOS

Como dice el subtítulo, se trata de un libro sobre mitología para niños destinado a los adultos. Una herramienta de fácil lectura para quienes deseen iniciar a los niños en el mundo cultural clásico a través del disfrute y no de la obligación.
Accesible aunque no se disponga de conocimientos específicos ni en la materia ni de pedagogía, este manejable manual ayuda a resolver las preguntas de los niños sobre los mitos, y a explicarles nociones básicas sobre las claves de nuestra civilización y sobre los fundamentos de la mitología en distintas tradiciones culturales, utilizando el vocabulario sencillo de todos los días.
Destinada a todos los adultos que deseen compartir con sus hijos o alumnos esta experiencia educativa, tanto en el ámbito familiar como en el escolar, o realizando una visita de carácter cultural a una exposición o un museo, la obra se ofrece, en general, como una guía para introducir a los niños de entre 6 y 12 años en el conocimiento del mundo mitológico, a partir de apoyos básicos en contenidos antropológicos, religiosos y culturales.
Con objeto de proporcionar la mayor accesibilidad, la obra se desarrolla por medio de preguntas y respuestas, permitiendo un avance gradual según la edad del niño y/o su nivel de progresión. Los temas generales se ofrecen a través de algunos casos ilustrados y comentados, en un singular y ameno recorrido por distintos mitos de distintas
tradiciones. El planteamiento teórico tradicional se sustituye así por la contemplación directa de una imagen, generalmente una obra de arte, lo que resulta un atractivo punto de partida para el conocimiento de esta iconografía.
La obra incorpora igualmente una breve bibliografía comentada que ayudará a ampliar los temas que hayan suscitado mayor interés, así como un glosario y distintos recursos electrónicos para completar la información.

CÓMO HABLAR DE ARTE A LOS NIÑOS

CÓMO HABLAR DE ARTE A LOS NIÑOS

Como dice el subtítulo, se trata del primer libro de arte para niños destinado a los adultos. Una herramienta de fácil lectura para quienes deseen iniciar a los niños en el mundo del arte a través del disfrute y no de la obligación. Accesible aunque no se disponga de conocimientos específicos ni en la materia ni de pedagogía, este manejable manual ayuda a resolver las preguntas de los niños y a explicarles nociones claves del arte, tanto sobre técnicas como sobre estilos, utilizando un vocabulario sencillo.
Destinada a todos los adultos que deseen compartir con sus hijos o alumnos la experiencia de visitar un museo o una exposición, la obra se ofrece, en general, como una guía para introducir a los niños (de los 5 a los 13 años) en el conocimiento de la historia del arte. Con objeto de proporcionar la mayor accesibilidad, la obra se desarrolla por medio de preguntas y respuestas y propone fichas que, en tres niveles de color, van de lo más sencillo a lo más complejo, permitiendo un avance gradual según la edad del niño (de 5 a 7 años, de 8 a 10 y de 11 a 13) y/o su nivel de progresión. Los temas generales son el retrato, el paisaje, la abstracción… que, tras ser tratados de manera sucinta, se ofrecen a través de treinta obras reproducidas y comentadas, desde Fra Angélico hasta Baselitz, lo que permite también un singular y ameno recorrido por los mejores museos del mundo. El planteamiento teórico tradicional se sustituye así por la contemplación directa de la imagen, verdadero punto de partida de la experiencia artística. Tanto para preparar la visita a un museo con un niño, como para responder a sus preguntas ante un cuadro cualquiera o una imagen hallada en un libro, padres y educadores encontrarán aquí pistas para satisfacer la curiosidad de los niños y organizar el recorrido, físico o virtual, que más les convenga. La obra incorpora igualmente una breve bibliografía comentada que ayudará a ampliar los temas que hayan suscitado mayor interés.

SAN SEBASTIÁN

SAN SEBASTIÁN

San Sebastián tiene una historia rica y apasionante, llena de recovecos y episodios sorprendentes. Este libro, coordinado por José María Unsain, relevante especialista en historia de la ciudad, pone a nuestro alcance una obra de carácter divulgativo, que narra, con un enfoque actualizado, los principales acontecimientos y procesos de transformación que han marcado la historia de Donostia. Un libro que nos ofrece una visión panorámica de lo que fueron los donostiarras en tiempos pasados y de lo que han llegado a ser en el presente. Las más de 800 imágenes que se reproducen en esta obra, muchas de ellas inéditas o poco conocidas, juegan un papel sustancial. Un gran trabajo de síntesis gráfica que nos ofrece, con el apoyo de los pies explicativos, una visión clara y concisa de la historia de San Sebastián.

JORGE OTEIZA

JORGE OTEIZA

Esta gran obra en dos volúmenes y casi 1.000 páginas ofrece por vez primera el estudio y catalogación de toda la obra escultórica del gran artista vasco Jorge Oteiza (1908-2003).
En una cuidada edición y bajo la dirección científica del escultor y profesor Txomin Badiola y el propio Museo Oteiza, la presente publicación se presenta como un riguroso y dilatado trabajo de documentación y análisis y constituye un estudio crítico sobre la obra completa de Oteiza. Este análisis permite identificar todas sus esculturas, catalogando su amplísima producción de varias décadas en una gran diversidad de materiales y técnicas. Cada pieza catalogada incluye información detallada sobre materiales, propietarios, exposiciones y bibliografía, y se acompaña de una o varias reproducciones fotográficas. La exhaustividad y rigor aplicados al estudio y la catalogación hacen de esta obra un recurso de enorme valor y utilidad para los coleccionistas de la escultura de Oteiza, tanto públicos como privados, así como para museos, galeristas, especialistas, profesores y estudiosos de la obra del escultor en todo el mundo.

CÓMO HABLAR DE EVOLUCIÓN A LOS NIÑOS

CÓMO HABLAR DE EVOLUCIÓN A LOS NIÑOS

Este libro va dirigido a todos aquellos que deseen iniciar a los niños en el mundo de la evolución. Accesible aunque no se disponga de conocimientos específicos ni en la materia ni de pedagogía, este manejable manual ayuda a resolver las preguntas de los niños y a explicarles nociones claves de la evolución.
Para conjeturar el futuro de nuestra especie, Homo sapiens, necesitamos conocer y entender cómo se inició la vida humana y su devenir biológico, social y cultural. Con objeto de facilitar esta comprensión, Kepa Fernández de Larrinoa ha concebido este libro a base de preguntas y respuestas, mapas, síntesis, gráficos y una selección de recursos pedagógicos de apoyo que permiten aclarar con facilidad todas las preguntas que se hacen los niños, desde los muy pequeños hasta los casi adolescentes, permitiendo un avance gradual según su edad (de 5 a 7 años, de 8 a 10 y de 11 a 13) y/o su nivel de progresión.
El libro aborda más de 200 cuestiones agrupadas por temáticas, que van desde el origen de la vida en la Tierra, el origen evolutivo de la humanidad, el género Homo, el bosque evolutivo de la humanidad, cómo pensamos los humanos, si nuestra inteligencia es perceptiva y/o social, cómo piensan los primates, cómo fue la Prehistoria y el arte rupestre…
La obra se completa con un apartado final de cuadros cronológicos, que sitúa dónde y cuándo ocurrió la evolución del humano. Ofrece también bibliografía de consulta y recursos electrónicos a través de los cuales tanto los niños como los adultos podrán ampliar sus conocimientos sobre la evolución.

CONSERVACIÓN DE DOCUMENTOS ANALÓGICOS Y DIGITALES

CONSERVACIÓN DE DOCUMENTOS ANALÓGICOS Y DIGITALES

Conservación de documentos analógicos y digitales reúne en una misma obra, escrita por reconocidos especialistas, la información básica para la conservación y manejo de los tipos de materiales que hoy en día se hallan con más frecuencia en colecciones documentales: obras sobre papel, fotografías, encuadernaciones, materiales fílmicos, documentos sonoros y soportes digitales.
Incluye, además, un capítulo sobre los conceptos de conservación y preservación, que ayuda a su comprensión así como a la mejora de la toma de decisiones para su cuidado y conservación.
El libro aporta la información necesaria para el conocimiento, caracterización y cuidado de un extenso patrimonio de enorme diversidad material, custodiado hoy en bibliotecas, archivos, museos, centros de documentación y entidades responsables de la custodia de soportes de información, en todo el mundo.
Los distintos capítulos ofrecen información (y bibliografía) actualizada sobre las nuevas tendencias en el cuidado y manejo de las colecciones documentales, tanto analógicas como digitales, con el objetivo de ser una herramienta fundamental para la toma de decisiones adecuadas para su preservación.
La obra, planteada como una guía completa y accesible, está dirigida a todos los técnicos y profesionales que trabajan con fondos documentales y tienen el compromiso de mantener las colecciones en buen estado de conservación. Asimismo, se puede incorporar como título de referencia en los estudios de restauración de materiales de biblioteca y archivo, museística, archivística, biblioteconomía y documentación, y en los programas de formación relacionados con la edición, la gestión documental y la gestión cultural, entre muchos otros campos de conocimiento.

MARIANO FORTUNY

MARIANO FORTUNY

Este libro ofrece un relato completo de la vida del visionario diseñador Mariano Fortuny y Madrazo (Granada, 1871-Venecia, 1949). Más conocido por sus ricas e innovadoras telas y vestidos opulentos, Fortuny fue también un consumado pintor, grabador y fotógrafo, así como un diseñador de juegos teatrales, trajes e iluminación. Nacido en una famosa familia de artistas, críticos, arquitectos y Arteanos, Fortuny fue educado en un refinado y cosmopolita ambiente cultural que alimentó su extremada curiosidad intelectual y talento creativo. Tras residir unos años en París, se estableció definitivamente en Venecia, en el legendario Palacio Pesaro degli orfei, morada y taller donde produjo muebles, ropas, lámparas y escenografías que serían pioneras en la ópera y ballet. Fortuny se interesó especialmente por la iluminación aplicada a las Arte escénicas, que transformó con novedosas soluciones. Como grabador, realizó ilustraciones de temas inspirados en Wagner y Shakespeare. Su obra pictórica tiene como protagonista a la mujer inmersa en un halo teatral y simbólico, pleno de sugestiva belleza. Especialmente importantes son sus creaciones en el mundo de la moda, inspiradas en el mundo clásico y oriental, que materializó magistralmente en su mítica túnica Delphos. También aplicó su refinado talento al diseño textil, revolucionando los procesos de tintado y estampación de las telas. Sus prendas de seda plisada y sus capas de terciopelo —que hoy atesoran los museos de indumentaria más importantes del mundo— son la máxima encarnación del vestido como obra de arte y, sin duda, su logro creativo más perdurable y actual. El diseño patentado resultó un éxito sin precedentes, favorecido por los clientes del mundo del arte de vanguardia, como Isadora Duncan o personas de la alta sociedad estadounidenses. Inmortalizado por Proust en En busca del tiempo perdido, el Delphos se consideró escandaloso en su primera aparición en 1907, pero los ejemplos inspirados en el diseño original de Fortuny todavía aparecen regularmente en las alfombras rojas de hoy.

ARTE DE LA REAL AUDIENCIA DE QUITO. SIGLOS XVII-XIX

ARTE DE LA REAL AUDIENCIA DE QUITO. SIGLOS XVII-XIX

Libro sobre arte colonial quiteño coordinado por la Dra. Alexandra Kennedy Troya, una de las principales especialistas en arte colonial y decimonónico de América Latina. Esta obra recoge una serie de propuestas para comprender de forma más integral y creativa la historia del arte colonial de un país que, a pesar de la gran riqueza de sus manifestaciones arquitectónicas, urbanísticas y artísticas, no ha contado hasta ahora con una publicación rigurosa y ampliamente documentada destinada a todos los países de habla hispana.
El barroco fue un estilo internacional que surgió en Europa y se extendió a Iberoamérica. En la Real Audiencia de Quito, y en particular en la ciudad de Quito, se desarrolló un arte y una arquitectura muy particulares y claramente identificables, lo que dio lugar a uno de los focos artísticos regionales más importantes del mundo colonial americano, al mismo nivel que México, Antigua, Cuzco o Potosí.
Este libro nos presenta el Barroco y el periodo ilustrado ecuatorianos como una expresión particular de la sociedad colonial de los imperios español y portugués. Aunque las fórmulas pictóricas, escultóricas y espaciales que adoptaron eran en su origen europeas, al transplantarlas a suelo ecuatoriano se transformaron en sus proporciones y en su sentido de la decoración, incorporando nuevas realidades y respuestas de los indígenas, los nuevos mestizos, los criollos y los españoles que se encontraban de paso. Así, las páginas de este libro ponen de manifiesto que el carácter ecuatoriano de este arte no reside en las formas mismas, sino en cómo éstas fueron interpretadas por dicha población. Una de las mayores contribuciones de este volumen es la reconstrucción articulada del tejido que conecta el arte y la sociedad ecuatorianas, presentando la producción artística quiteña entre 1650 y 1850 desde un punto de vista social, religioso y estilístico.
El volumen, redactado con un estilo asequible para el público general, y profusamente ilustrado con mapas, planos y fotografías en color de Cristoph Hirtz y Alfonso Ortiz, recoge, con un importante aparato científico de notas y una rica bibliografía, las investigaciones que sobre arte ecuatoriano y latinoamericano han realizado tanto investigadores ecuatorianos como extranjeros a lo largo los últimos años, lo que sin duda lo convertirá en un texto de obligada referencia.

COMO HABLAR DE ARTE DEL SIGLO XX A LOS NIÑOS

COMO HABLAR DE ARTE DEL SIGLO XX A LOS NIÑOS

Atractiva, muy ilustrada y escrita con un lenguaje accesible para todos, esta obra es la mejor invitación para descubrir y compartir con los niños el arte de nuestro tiempo.
Aunque el arte contemporáneo nos rodea, muchas veces su recepción y comprensión nos provoca desconcierto. Françoise Barbe-Gall ofrece a padres y educadores las claves para, deshaciéndose de prejuicios y temores, descubrirlo con ojos nuevos, y así poder transmitírselo a los niños, desde los muy pequeños hasta los casi adolescentes (5 a 13 años).
Tras una primera parte en que se explican con claridad las líneas maestras del arte contemporáneo, la segunda parte comenta 30 obras famosas de artistas como Pablo Picasso, Gustav Klimt o Andy Warhol, en forma de preguntas y respuestas. Con objeto de proporcionar
mayor accesibilidad, las obras se comentan en tres niveles de color, de lo más sencillo a lo más complejo, permitiendo un avance gradual según la edad del niño (de 5 a 7 años, de 8 a 10 y de 11 a 13) y/o su nivel de progresión. El planteamiento teórico tradicional se sustituye
así por la contemplación directa de la imagen, verdadero punto de partida de la experiencia artística.
Tanto para preparar la visita a un museo con un niño, como para responder a sus preguntas ante un cuadro cualquiera o una imagen hallada en un libro, padres y educadores encontrarán aquí pistas para satisfacer la curiosidad de los niños, facilitando una comprensión más rica y profunda de obras y artistas, y convirtiendo la visita a galerías y museos en todo un placer.
La obra se completa con un apartado final de recursos bibliográficos y electrónicos que ayudarán a ampliar los temas que hayan suscitado mayor interés.

COMO HABLAR DE MUSICA CLASICA A LOS NIÑOS 2º ED.

COMO HABLAR DE MUSICA CLASICA A LOS NIÑOS 2º ED.

Tras la satisfactoria acogida de la primera edición de Cómo hablar de música clásica a los niños, Nerea reedita la obra que va dirigida a todos aquellos que deseen iniciar a los niños en el mundo de la música clásica de un modo fácil y divertido.
De lectura accesible aunque no se disponga de conocimientos específicos en la materia, este manejable manual fomenta el deseo de saber en los niños, ofreciendo útiles consejos y desterrando para siempre el concepto de música aburrida por
medio de recomendaciones muy sencillas. Distintos apartados de la obra permiten responder a las preguntas que los niños plantean sobre formas, técnicas y estilos («¿por qué se dice música romántica, o barroca…?»), sobre la teoría musical
(«¿qué significa que una pieza está en do mayor…?»), y explicar con un lenguaje claro y accesible los oficios de músico y compositor, así como el mundo de los instrumentos musicales.
La publicación se complementa con un CD con diecinueve reproducciones sonoras que se explican en forma de fichas en el interior del libro, lo que permitirá tanto al niño como al lector adulto descubrir por sí mismos la música clásica y su diversidad a
lo largo de la historia.
La obra incorpora igualmente un práctico glosario de términos técnicos y una breve bibliografía comentada que ayudará a ampliar los temas de mayor interés.

EDUARDO CHILLIDA VOL. II

EDUARDO CHILLIDA VOL. II

Primer volumen de una magna obra en cinco volúmenes y más de 2.000 páginas que ofrece por vez primera la catalogación de toda la obra escultórica del gran artista vasco Eduardo Chillida (1924-2002). En una cuidada edición y bajo la dirección científica de los propietarios y conservadores del Museo Chillida-Leku, la presente publicación es resultado de un riguroso y dilatado trabajo de documentación y análisis, y permite identificar todas las esculturas realizadas por Chillida entre los años 1948 y 1973. Cada pieza catalogada incluye información detallada sobre materiales, propietarios, exposiciones y bibliografía, y se acompaña de una o varias reproducciones fotográficas. Este volumen cuenta además con un artículo introductorio de Kosme de Barañano, prestigioso especialista internacional en la obra de Eduardo Chillida, así como con un apartado de apéndices en el que se incluye un registro de títulos y materiales, una bibliografía esencial y una cronología del artista. La exhaustividad y rigor del estudio contenido en la obra hace de esta un recurso de gran utilidad para coleccionistas de la escultura de Chillida, tanto públicos como privados, así como para museos, galeristas, especialistas, profesores, estudiosos y amantes de la obra del escultor.

EDUARDO CHILLIDA VOL. I

EDUARDO CHILLIDA VOL. I

Primer volumen de una magna obra en cinco volúmenes y más de 2.000 páginas que ofrece por vez primera la catalogación de toda la obra escultórica del gran artista vasco Eduardo Chillida (1924-2002). En una cuidada edición y bajo la dirección científica de los propietarios y conservadores del Museo Chillida-Leku, la presente publicación es resultado de un riguroso y dilatado trabajo de documentación y análisis, y permite identificar todas las esculturas realizadas por Chillida entre los años 1948 y 1973. Cada pieza catalogada incluye información detallada sobre materiales, propietarios, exposiciones y bibliografía, y se acompaña de una o varias reproducciones fotográficas. La exhaustividad y rigor del estudio contenido en la obra hace de esta un recurso de gran utilidad para coleccionistas de la escultura de Chillida, tanto públicos como privados, así como para museos, galeristas, especialistas, profesores y estudiosos de la obra del escultor.